O Poder Silencioso do Figurino no Cinema
Antes mesmo de um personagem pronunciar sua primeira fala, o figurino já comunica volumes sobre sua essência. O tecido escolhido, a paleta de cores, o peso de uma peça ou a simplicidade de um corte carregam pistas não verbais sobre tempo histórico, localização geográfica e identidade pessoal. Na corrida pelo Oscar 2026, que será realizado no próximo domingo, 15 de março, a categoria de Melhor Figurino revela precisamente essa capacidade transformadora: roupas que ajudam a edificar universos completos, desde fantasias épicas até reconstruções históricas meticulosas.
Figurino como Linguagem Narrativa
Entre universos imaginários, dramas históricos e narrativas urbanas contemporâneas, os figurinos indicados ao Oscar deste ano reforçam uma verdade fundamental: no cinema, a vestimenta raramente é apenas um adereço. Ela funciona como cenário, contexto e, frequentemente, como um personagem por si só. É importante destacar as figurinistas, profissionais talentosas que moldaram algumas das imagens mais icônicas das últimas décadas. O grupo inclui veteranas já consagradas, colaboradoras fiéis de grandes diretores e também estreantes na categoria. O que todas compartilham é o tratamento do figurino como uma linguagem narrativa poderosa e essencial.
Pecadores: Identidade Cultural em Tecido
Poucas figurinistas transformaram o figurino em um instrumento cultural com tanta potência quanto Ruth E. Carter. Vencedora de dois Oscars por Pantera Negra e Pantera Negra: Wakanda Forever, ela já havia sido indicada por obras como Malcolm X e Amistad. Em Pecadores, Ruth retorna ao tipo de trabalho que solidificou sua carreira: figurinos que mesclam pesquisa histórica rigorosa, identidade cultural profunda e simbolismo visual agudo. Cada personagem carrega em suas roupas sinais claros sobre pertencimento social, hierarquia e trajetória pessoal. O resultado é um guarda-roupa cinematográfico que não apenas veste os personagens, mas os explica e contextualiza integralmente.
Avatar: Fogo e Cinzas: Arte no Mundo Digital
No universo de Pandora, até o que parece puramente digital tem origem no mundo físico. Para o novo capítulo da saga criada por James Cameron, Deborah L. Scott concebeu centenas de peças de forma tangível, antes que fossem transformadas em efeitos visuais em Avatar: Fogo e Cinzas. Cada traje foi desenhado manualmente e pensado como um objeto real, com textura, peso e estrutura específicos. A construção visual também é guiada pela cor, com diferentes comunidades do planeta sendo identificadas por paletas distintas — algumas se aproximam de tons quentes e terrosos, enquanto outras permanecem nas variações do azul característico. Deborah, que venceu o Oscar por Titanic, traz para Avatar a experiência de uma carreira brilhante que inclui clássicos como E.T. – O Extraterrestre, De Volta para o Futuro e Minority Report.
Frankenstein: Paleta Emocional em Movimento
Parceira frequente do diretor Guillermo del Toro, Kate Hawley tratou o figurino de Frankenstein quase como uma pintura em movimento constante. Em vez de aderir à estética sombria tradicional associada à história, ela construiu uma paleta emocional rica, marcada por cores profundas e simbólicas. Vermelhos intensos, verdes luminosos e azuis densos percorrem o filme e refletem os estados internos dos personagens. Pequenos elementos cromáticos se repetem e conectam figuras da narrativa, criando um diálogo visual silencioso entre elas. Os tecidos foram desenvolvidos com inspiração em estruturas naturais, como superfícies minerais, asas de insetos e padrões orgânicos.
Hamnet: Materialidade do Cotidiano Histórico
Em Hamnet, ambientado na Inglaterra elisabetana, Malgosia Turzańska optou por evitar qualquer idealização romântica do passado. O figurino privilegia a materialidade crua do cotidiano, com linho, lã e algodão dominando as cenas em tons apagados e terrosos. São roupas práticas, usadas repetidamente, muitas vezes desgastadas pelo tempo e pelo trabalho árduo. Barras se esfiapam, mangas perdem forma, tecidos adquirem peso com o uso. Essa abordagem, historicamente fiel, reforça a dimensão humana e realista da história, acompanhando a vida diária e o luto sem recorrer ao espetáculo visual excessivo.
Marty Supreme: Reinvenção Social Através da Roupa
Se em alguns filmes o figurino revela quem o personagem é, em Marty Supreme ele demonstra quem o protagonista aspira se tornar. Ambientado na Nova York de 1952, o longa acompanha um vendedor de sapatos que utiliza a roupa como ferramenta de reinvenção social. Miyako Bellizzi parte da alfaiataria masculina do pós-guerra: ternos amplos, cintura alta, ombros marcados e camisas soltas. Ao longo da narrativa, o figurino evolui de maneira sutil e quase imperceptível. O corte se aprimora, os materiais ganham qualidade superior e os acessórios aparecem com mais intenção, refletindo a ascensão gradual do personagem.
